Desert X ha anunciado la lista de artistas participantes que presentarán instalaciones en la cuarta edición de las exposiciones de arte internacionales site-specific. Los doce artistas de Europa, América del Norte y el sur de Asia están preparando obras inmersivas que abarcan escultura, pintura, arquitectura, diseño, cine, performance y activismo ambiental. La exhibición estará abierta desde el 4 de marzo hasta el 7 de mayo de 2023, en sitios a lo largo del Valle de Coachella, en el desierto de Colorado en Estados Unidos.
La exposición tiene como objetivo explorar más a fondo los temas de ediciones anteriores, como el enfoque ambiental y social. Las instalaciones artísticas encargadas recientemente se esfuerzan por convertirse en instrumentos de autoconciencia y dispositivos para el asombro. Exploran las formas en que diseñamos nuestros entornos, cómo vivimos y los mensajes que usamos para reforzar los sistemas que nos rodean. Los temas explorados en la edición de 2023 incluyen el impacto global del cambio climático, los desafíos económicos y las profundas transformaciones sociales.
Desde su fundación en 2017, Desert X se concibe como una oportunidad para crear exposiciones de arte contemporáneo recurrentes que activan lugares desérticos a través de instalaciones específicas del sitio realizadas por artistas de renombre internacional. El evento presenta exposiciones públicas que responden a las condiciones del paisaje árido junto con sus comunidades indígenas, con el objetivo de promover el intercambio cultural y fomentar el diálogo entre culturas y comunidades.
A continuación presenamos algunas de las intervenciones e información sobre los artistas.
No.1225 Chainlink 2022-23 / Rana Begum
La instalación presenta una neblina brillante de color flotando sobre el suelo del desierto. Formada a partir de una serie de anillos concéntricos que recuerdan a la cerca de alambre, la estructura similar a un laberinto permite que el aire, la arena, el agua y las personas se filtren. Nacida en Bangladesh en 1977, Rana Begum vive y trabaja en Londres, donde ha refinado un lenguaje de abstracción minimalista, desdibujando las líneas entre escultura, pintura y arquitectura.
El mar más pequeño con el corazón más grande / Lauren Bon y Metabolic Studios
La poética instalación se inspira en las plantas, con su capacidad de metabolizar la luz solar en energía, y en la imagen de la Ballena Azul, el animal más grande de la Tierra. La obra de arte trae piscinas a un paisaje definido por la escasez de agua para recordar a los visitantes su propia conexión con el agua y la historia olvidada del desierto, que alguna vez fue un mar. Lauren Bon es una artista ambiental con sede en Los Ángeles. Su práctica, Metabolic Studio, explora sistemas autosuficientes que regeneran ecosistemas.
Inmersión / Gerald Clarke
La instalación, creada por el ranchero, artista y educador Gerlarld Clarke, adopta la forma de una canasta enrollada tradicional de Cahuilla, o "chi-pat-mal", ampliada para convertirse en un tablero de juego gigante. El objetivo de llegar al centro solo se puede lograr respondiendo correctamente preguntas relacionadas con la historia y las tradiciones de los indios Cahuilla. Al gamificar la historia, Clarke pretende sublimar los prejuicios, al mismo tiempo que nos recuerda cuán inalcanzables pueden volverse estos objetivos para aquellos a quienes se les ha retirado por la fuerza dicho conocimiento.
Amar a Dios en tierra de indios, es oficio maternal / Paloma Contreras Lomas
Los visitantes que llegan a la instalación se encuentran con un conjunto extraño: un automóvil anticuado, una serie absurda de miembros enredados que pertenecen a dos personajes misteriosos y manos afelpadas armadas con pistolas blandas. Según los artistas, esta caricatura de Western-meet-sci-fi pretende representar un retroceso contra la mirada masculina violenta del paisaje al explorar la ocupación e instrumentalización del territorio y las economías de extracción.
Liquid a Place / Torkwase Dyson
La instalación escultórica es parte de una serie en curso que explora la memoria del agua en el cuerpo y la memoria del agua en el desierto. El artista entiende el cuerpo humano como un arco o recipiente, reservorios de historias y reservorios de agua. El trabajo de Dyson nos involucra como seres líquidos que buscan nuevas formas en medio del paisaje que nos rodea. El artista con sede en Chicago Torkwase Dyson se describe a sí mismo como un pintor que trabaja en múltiples medios para explorar la continuidad entre la ecología, la infraestructura y la arquitectura.
Buscando el Cielo (Manteniendo el Equilibrio) / Mario García Torres
La instalación consiste en una manada de toros mecánicos, facsímiles de rodeo combinados para crear una coreografía de oscilaciones sincronizadas que buscan un equilibrio que nunca se puede lograr. Diseñados para hacerte caer, los toros mecánicos se han convertido en una "celebración machista del fracaso, donde el paseo salvaje de la naturaleza incontrolable ha sido suplantado por el paseo salvaje de una cultura fuera de control".
Figura durmiente / Matt Johnson
La figura de Johnson habla de las arrugas y rupturas de una economía de cadena de suministro en apuros. Situada a lo largo de una de las principales arterias que conectan el puerto de Los Ángeles con el interior de Estados Unidos, la escultura domina el paisaje y recuerda a los visitantes que los principios de la globalización están conectados a este cuerpo contenedor que se ha posado en el Valle de Coachella.
Namak Nazar / Himali Singh Soin y David Soin Tappeser de Hylozoic/Desires
La obra de arte es una invitación para que los visitantes reflexionen sobre la pérdida ecológica y la pérdida del hogar, buscando refugio en otro lugar. Un poste de electricidad con incrustaciones de sal lleva los sonidos y las voces de las mitologías antiguas y modernas, el folclore, las canciones de sal y otras especulaciones que sugieren un paralelismo entre las arenas movedizas y la presencia humana, desde la geometría sagrada hasta el colonialismo de los colonos.
Pioneer / Tschabalala Self
La obra de arte se construye como un monumento en homenaje a las antepasadas colectivas de la América contemporánea. El desierto, a pesar de su comprensión simbólica general, hace referencia tanto al principio como al final. De manera similar, la instalación de Pioneer representa a las mujeres indígenas, nativas y africanas perdidas, expulsadas y olvidadas, cuyo trabajo permitió la expansión y el crecimiento de Estados Unidos, al mismo tiempo que se erige como un faro de resiliencia para sus descendientes.
Khudi Bari / Marina Tabassum
Khudi Bari, la palabra bengalí para "casa diminuta", es un ejemplo de una casa móvil modular que es duradera y se puede montar y desmontar en poco tiempo con una mano de obra mínima. Se aprovecha de una estructura rígida de marco espacial para salvar bienes y vidas durante las inundaciones repentinas que ocurren en las pequeñas islas desérticas repartidas por el delta Bengalí. En las llanuras aluviales de Bangladesh, la tierra es fluida y estas islas a menudo se erosionan en el agua, lo que obliga a las personas a mudarse de sus hogares cuando la tierra debajo de ellos ya no existe. Desert X ha encargado una película sobre el proyecto, en la que Tabassum aborda las culturas secas y húmedas y el papel del diseño para permitir la vida en algunas de las condiciones climáticas más extremas.
Chimera / Hector Zamora
Quimera es una acción performativa que pretende redefinir el espacio expositivo convencional y generar fricción entre los roles comunes de público y privado, interior y exterior, orgánico y geométrico. La obra de arte de Zamora implica a los visitantes y les exige cuestionar los usos cotidianos de los materiales y las funciones del espacio. Aquí, en el Valle de Coachella, la obra de arte hace referencia a los omnipresentes, pero a menudo invisibles vendedores ambulantes, que se disipan cuando los visitantes compran los globos, se los llevan a casa e interactúan con los vendedores en un espacio de dignidad.
Originals / Tyre Nichols
La instalación del artista y fotógrafo californiano Tire Nichols tiene como objetivo representar el potencial perdido de todas aquellas personas cuyas vidas se han perdido debido a la violencia sancionada por el estado y el racismo institucional. Ubicada en vallas publicitarias a lo largo de Gene Autry Trail, la obra de arte también es un recordatorio de que muchas de estas muertes innecesarias tienen lugar al costado del camino.
